Desde Bálanda ofrecemos
nuestro apoyo a la plataforma que está organizando acciones
para tratar de impedir que se destruya uno de los vestigios
artísticos y culturales de la historia de la humanidad más
antiguos de la Tierra. En este caso en la Península de
Burrup, ubicada al noroeste de Australia Occidental.
En Madrid, nos reunimos un grupo de personas
reivindicadoras del arte y la cultura aborigen para
fotografiarnos componiendo la frase "STAND UP FOR THE
BURRUP" en nuestras camisetas. Y qué mejor sitio para
lanzar nuestra reivindicación que el Museo del Prado,
emblema internacional del arte en España. Este acto se
realizó en Barcelona (Sagrada Familia) en marzo en otra de
las ciudades más vinculadas al arte en nuestro país:
Sevilla y también en el Encuentro de didgeridoo de Ibort
2007.
Pincha sobre la imagen
para ver en lo que las industrias y empresas
multinacionales están convirtiendo
Burrup
STAND
UP FOR THE BURRUP
(enviado por Stephen
Bennetts)
EL
VANDALISMO CULTURAL TIENE QUE PARAR
Imagínese caminando cuidadosamente en la Galería Nacional
de Australia, admirando y seleccionando un numero de obras
de arte inevaluables y después imagínese despedazándolas y
destruyéndolas. Unos años después imagínese haciendo esto
otra vez y después otra vez.
Este tipo de comportamiento es inaceptable por razones de
sentido común y estos actos son criminales.
Imagínese entonces, que estas obras fueron parte de esta
galería por diez mil años, antes incluso que las grandes
pirámides fuesen construidas, algunas de estas obras
incluso esculpidas mientras las capas de hielo del
Pleistoceno cubrían Norte América y Europa.
Esta visión devastadora es el destino que espera al arte de
la Roca en la Península Burrup ubicada al noreste de
Australia Occidental. Este ensamblaje extraordinario de
arte –parte esculpido durante la última edad del hielo- ha
sido asaltado desde los años 70. Cada año alguien entra en
esta galería y daña una de estas piezas de arte
inevaluables. Este año es el turno de Woodside otra vez. La
compañía quiere construir una planta de procesamiento de
gas en la mitad de este paisaje cultural. La remoción de
tierra y rocas con grabados esta ocurriendo en estos
momentos.
DEFENDAMOS
LA HERENCIA DE BURRUP
3,000 grabados se encuentran en el área rentada a la
compañía Woodside conocida como Pluto, 150 de estos
grabados en roca están directamente localizados al pie de
la nueva infraestructura de gas. Estas rocas con grabados
ancestrales, serán movidas o destruidas en el sitio y las
otras rocas serán acarreadas en los nuevos caminos y se
perderán en la nueva infraestructura que esta siendo
construida para la planta.
Este sitio representa mucho más que solo arte. Burrup es un
sitio sagrado y un paisaje cultural viviente. Los valores
estéticos son simplemente parte del valor superficial de
esta atracción que tiene además valores culturales y
simbólicos que no podemos llegar a comprender en su
totalidad.
La tragedia en este caso es que la destrucción de las rocas
es totalmente innecesaria. Woodside ha aceptado que han
tratado de reubicar el proyecto Pluto a una parte del
terreno que ya ha sido alterado, un pedazo de tierra que
esta ubicado junto a la planta de gas existente y que ha
venido operando en Burrup desde la mitad de los años 80.
Si Woodside insiste en construir el proyecto Pluto en
Burrup, este proyecto debería ser construido en tierra que
ha sido ya alterada y de donde ya han sido removidas rocas
con valor hereditario. Esto ahorraría a la compañía una
enorme cantidad de dinero en costos y en el uso de
infraestructura compartida. No debería por ningún motivo
existir más destrucción de sitios intactos como los planes
existentes en los puntos A y B de Pluto.
LEVANTÉMONOS
POR BURRUP
El ex Ministro de Ambiente de la Commonwealth, Senador Ian
Campbell fue entrevistado a principios del año después de
una visita a Burrup y en la entrevista él pareció sumamente
impactado por la escala y antigüedad del lugar y pareció
que la campaña para evitar que esta herencia sea destruida
iba a tener un representante. El Senador Campbell era uno
de los más fuertes impulsadores para la herencia en
Australia y Burrup es uno de los sitios con mayor
importancia hereditaria que tenemos.
Lamentablemente, nuestro Ministro de Ambiente y Patrimonio
se transformó ante nuestros ojos en un Ministro Júnior de
Desarrollo quien estaba determinado a que el proyecto Pluto
se hiciera una realidad a como de lugar. Él demoró el
proceso de declaración de Patrimonio hasta el punto en que
el arte de la roca esta siendo destruido mientras el
gobierno considera que tanto debería proteger. Se espera
que el nuevo Ministro de Ambiente y Patromonio, Malcolm
Turnbull juegue un papel más productivo en su rol de
proteger Burrup.
Woodside debe comprometerse a construir el proyecto Pluto
en tierra ya alterada o reubicarse fuera de Burrup
completamente.
Si el Gobierno toma esta oportunidad de reubicar el
proyecto Pluto junto con la planta de gas existente,
entonces habrían salvado a Burrup de sufrir más vandalismo
a la vez que están asegurando que el proyecto Pluto se
cumpla. Si esto no sucede, entonces entraran los tractores,
escavadoras y la operación de los negocios operará en la
galería de arte en la naturaleza más grande del
mundo.
Ciudadanos de todo el mundo se suman a una campaña contra
la destrucción de pinturas rupestres en la Península de
Burrup, Australia.
¡LEVANTÉMONOS
POR BURRUP!
La compañía Woodside
Petroleum y el gobierno de Australia Occidental tienen un
plan para convertir este paisaje cultural en una gran
planta de producción de gas natural que destruirá miles de
grabados en la roca, realizados hace treinta mil años. El
valor cultural de las representaciones que van desde
animales, ceremonias o danzas tradicionales, es
incalculable tanto para los pueblos aborígenes como para la
comunidad científica.
En el año 2003, World Monuments
Fund lo incluyó en la lista de
los cien sitios considerados patrimonio cultural en peligro
del planeta. Pero este hecho parece no importar al gobierno
de Australia Occidental.
El grupo FARA (Friends of Australian Rock Art) es una
alianza de ciudadanos de Australia Occidental que lucha
para preservar la cultura de los pueblos aborígenes. Bajo
el lema: «¡Levantémonos por Burrup!», esta asociación
invita, a todo el mundo, a defender este lugar sagrado del
pueblo jaburrara.
Web Oficial de esta
acción: www.standupfortheburrup.com
Webs de especial
interes:
www.aboriginalart.org
www.ankaaa.org.au
www.balgoart.org.au
www.bulabula-arts.com
www.desart.com.au
www.elchoartcraft.com
www.ernabellaarts.com.au
www.iwantjaarts.com.au
www.mangkaja.com
www.maningrida.com
www.maruku.com.au
www.mimiarts.com
www.papunyatula.com.au
www.tjanpiaboriginalbaskets.com
www.tiwiart.com
www.waralungku.com
www.yirrkala.com
www.arnhemweavers.com.au
http://www.lumaluma.com
www.territoryessence.com
ARTE ABORIGEN AUSTRALIANO
Traducción libre de
textos provenientes de "Australia's living heritage. Arts
of Dreaming" Jennifer Isaacs
El arte aborigen
australiano forma parte de una tradición viva, quizás la
mas antigua tradición artística del mundo. Es la expresión
visual de una religión cuyos orígenes son remotos en el
tiempo. La practica de ceremonias ha mantenido las formas
artísticas tradicionales a lo largo de los desiertos
australianos así como en las remotas áreas del norte. Como
todas las formas de expresión cultural, el arte aborigen se
adapta y cambia constantemente en el tiempo; incluso las
artes tradicionales, aquellas que expresan la religión, la
tierra y el "tiempo de los sueños", revelan la
individualidad de cada artista, e incorpora constantemente
nuevas ideas, patrones y materiales. El arte tradicional ha
sobrevivido a trastornos sociales importantes, y ahora
emerge como una expresión innovadora de una filosofía
antigua y continua, y las profundas creencias en el propio
paisaje australiano. En la sociedad aborigen, hombres y
mujeres paralelamente,tienen sus propias artes
expresivas.Los cuerpos pintados y decorados se convierten
en esculturas vivientes durante los bailes; los mismos
diseños pueden ser trasladados a diferentes superficies
para diferentes propósitos; sobre fibras, arena, madera,
corteza y piedra. La separación de arte y ciertos tipos de
artesanía, típica del mundo occidental, no existe en el
arte aborigen. La complejidad del hilado, tejido y anudado,
se mezcla e integra con conchas, fibras y pintura; plumas y
fibras pueden formar parte de una misma escultura. El arte
aborigen australiano goza de una variedad de formas
sorprendente, cuya simbología es la expresión del
"Dreaming", origen mitológico de la vida, prueba de un arte
vivo y continuo en la Australia aborigen actual.
ARTE
ABORIGEN, CULTURA Y PAISAJE
El arte aborigen australiano se revela como uno de los mas
antiguos del mundo; el arte y bailes ceremoniales expresan
los antiguos orígenes de la vida y del paisaje que se
remontan al infinito, "el tiempo de lo sueños". Igual que
la tradición oral, el arte visual ilustra y es el registro
de un periodo de tiempo monumental, a través del cual el
modo de vida de los aborígenes ha cambiado y se ha
adaptado. Cambios geológicos y cambios del clima y las
estaciones a lo largo de los siglos, han afectado a la
comida, animales, plantas y vegetación; y en consecuencia
el modo de vida de las personas. La cultura aborigen se
desarrolló en respuesta al entorno natural y a veces
incluso lo modificó. Debido al aislamiento del continente
austral, el contacto con otras culturas fue muy limitado al
contrario que en otros continentes donde la propagación de
nuevas "tecnologías" como la cerámica y la metalurgia se
dio con facilidad. En vez de desarrollar un modo de vida
sedentario, con los refinamientos que ello implica como la
agricultura, los aborígenes usan su ingeniosidad con fines
religiosos e intelectuales expresados a través de
elaboradas ceremonias y del arte. Así mismo técnicas de
supervivencia refinadas a través de un uso efectivo de los
recursos naturales;así como desarrollo de numerosas
herramientas para estos fines y una gran habilidad en el
manejo de estas.
En el centro de la cultura aborigen se encuentra una
riquísima tradición y mitología oral, expresada a través de
la vida ceremonial. Cuando lo europeos invadieron Australia
en 1788, se hablaban mas de 200 lenguas aborígenes
distintas, cada una representando a pueblos distintos a
menudo descendientes de diferentes ancestros creadores. Se
daban pocas creencias generales, aunque algunos conceptos
eran comunes a muchos grupos tribales.Esencialmente todos
creen que los ancestros creadores, llegaron a Australia en
el tiempo de la creación, cuando el paisaje estaba solo
parcialmente creado. Después de la creación emprendieron
épicos viajes a través del territorio; a veces se
encontraban con otros seres creadores cuyos encuentros
resultaron en cataclismos que cambiaron y formaron el
paisaje. Estos ancestros crearon rocas, ríos y todo lo
demás; realizaron las primeras ceremonias, cantaron las
primeras canciones y crearon los diseños que se han
perpetrado hasta nuestros días y que se pintan sobre
cuerpos, cortezas, en el suelo o incluso tallados en armas
y utensilios. Cada clan o grupo familiar es dueño de una
parte del territorio como descendientes de estos ancestros,
teniendo el deber de guardar,proteger y mantener los
lugares sagrados. Ciertas personas tenían el deber de
retocar el arte en ciertos lugares, hacer ceremonias en
lugares especiales o limpiar la vegetación de rocas y
arboles sagrados. La vida intelectual, giraba entorno a
recordar complejas y extensas genealogías y canciones
ceremoniales. Las ceremonias promulgaban las canciones que
describían viajes, acciones y movimientos de los ancestros
en distintos lugares, y recogiendo toda la información
genealógica, permitía a los aborígenes encontrar sus
relaciones con tribus a veces muy distintas. Las canciones
también definían la tierra que pertenece a cada clan.Grupos
vecinos compartirían elementos de la misma mitología. La
fuerte relación con los ancestros y el paisaje, forma la
base de todo el arte aborigen. Baile, canciones, ceremonia
y arte material se combinan para formar un todo, una red
artística compleja que articula paisaje y el "tiempo de los
sueños". En el corazón y centro del arte se encuentra la
vida ceremonial; música, baile, canción y pinturas son
parte del mismo proceso de conexión entre la vida de las
personas y el "Dreaming".
El arte incluye todas las facetas de la creatividad humana
y necesidades de expresión, decoración y adorno. en el área
del arte ceremonial, el arte gráfico incluye la decoración
y ornamentación del cuerpo, pinturas sobre la roca y
corteza, diseños en el suelo, esculturas y emblemas
especiales de madera, piedra, plumas, cuerda o corteza que
son tratados como esculturas religiosas. En la vida diaria
el arte aborigen incluye la fabricación de simples adornos
personales de ropas, cintas de pelo, collares,.... y
también la talla de utensilios de todo tipo.'
Alfombrillas', bolsas, redes, "dilly bags", son hilados y
tejidos. La pintura y talla sobre roca es la forma mas
antigua de expresión artística.Se han encontrado y dado
evidencia de arte tan antiguo como 20.000 años, es decir
probablemente de lo mas antiguo del mundo.
SIMBOLISMO
EN EL ARTE ABORIGEN
El arte aborigen es simbólico. La mayor parte es geometrico
y no figurativo. Este arte simbólico es utilizado en los
diseños pintados sobre los cuerpos, arboles tallados,
dibujos en el suelo, muchas rocas talladas y pintadas,
cortezas de árbol pintadas (bark painting) y diseños sobre
palos mensaje o " message sticks", boomerangs , didjeridus,
y objetos sagrados. Representaciones humanas y animales en
el arte, coexisten con esta simbología abstracta. Los
símbolos pueden ser utilizados para diferentes propósitos y
miembros de otros grupos los entienden en mayor o menor
grado. El significado de los símbolos varía dependiendo del
lugar representado, el significado y carga religiosa, el
grado de información que los autores hayan sido autorizados
a desvelar y el status de la audiencia a quien vaya
dirigida la obra. De alguna manera estos símbolos pueden
ser utilizados como un alfabeto, pero cuando se ponen
juntos varios simbolos, toman un significado que solamente
es accesible y comprendido por los artistas y el grupo al
que pertenecen. Clanes o grupos cercanos a estos pueden
intentar descifrar el significado pero sin el conocimiento
de toda la mitología relacionada, no podrían estar seguros
de acertar en el significado y dar una correcta
interpretación de las intenciones del artista. Estos
símbolos pueden así mismo ser la representación del paisaje
en forma de mapa, resaltando elementos mitológicos de
especial relevancia, indicando hechos que tuvieron lugar en
ese lugar concreto, o simplemente contar una historia. Los
artistas actúan como guardianes del paisaje representado, y
las obras poseen una gran importancia espiritual. La
reproducción de estos diseños se convierte en un acto
religioso, una re-afirmación de las creencias en los
ancestros creadores e incluso una absorción de cierto poder
que de estos emana. Las pinturas de Arnhem land tienen un
lenguaje simbólico visual, distintivamente diferente de
pinturas de otras áreas. En el este de Arnhem land cada
clan es dueño de un amplio abanico de diseños y patrones
que son el símbolo de áreas concretas del territorio,
elementos naturales u objetos específicos. Representaciones
de hombres, animales y plantas se incorporan dentro del
arte, pero una adecuada interpretación de la obra, depende
de los patrones y diseños usados en relación a las figuras.
La información es contenida en las formas de los objetos,
en los patrones pintados sobre estas, en los colores usados
y en la superposición de los diferentes colores usados en
el "cross-hatching" (RARRK), líneas paralelas y cruzadas,
superpuestas que forman un diseño.
Las marcas de símbolos se dan por toda Australia. Los
diseños pintados sobre los cuerpos siguen unos patrones
prescritos, símbolo de los ancestros totémicos; armas y
objetos son tallados con patrones y diseños geométricos que
simbolizan la pertenencia a ciertas áreas de tierra;
ataúdes son pintados o tallados con diseños que tienen un
significado especial para el muerto, o por ejemplo los
"message sticks" o palos mensaje que eran palos grabados
con símbolos y patrones que identificaban al portador, su
territorio, incluso a veces el mensaje en si......;se
utilizaban entre diferentes tribus con propósitos
ceremoniales y comerciales y permitían al mensajero ser
bien recibido o pasar por tierras extrañas sin ser
molestados. Los símbolos y signos continúan siendo hoy en
dia parte de la comunicación tradicional de los aborígenes
de Australia, tanto para marcar lugares como también un
apoyo o ayuda en una conversación o al contar una historia.
VARIACIONES
REGIONALES EN LA EXPRESION CULTURAL
Por toda Australia los aborígenes han expresado su relación
con los espíritus ancestros y la Tierra de diferentes
maneras. Canciones, bailes y ceremonias se extendieron y
cambiaron de grupo en grupo; se compartieron e
intercambiaron elementos rituales. Al compartir estos
elementos, se difundieron los diseños, decoraciones
corporales y técnicas así como armas y tecnología de los
utensilios. La cultura de cualquier grupo tribal, no ha
sido por tanto estática en ningún caso; ha absorbido
continuamente influencias y se ha adaptado a los cambios
del entorno natural y a los cambios sociales. En tiempos de
la llegada de los europeos al continente en 1788, ciertos
grupos por ejemplo usaban "tira -lanzas" o "Spearthrowers"
y otros simplemente usaban mano y brazo para utilizarlas;
los gigantescos arboles tallados del sur-este no se
encuentran en ningún otro lugar de Australia; las gentes
del desierto representaban sus ceremonias cubiertos de ocre
y plumas y así toda una serie de características propias a
cada grupo y región. Durante siglos, las gentes de la costa
en el "Top end" o parte norte de Australia, tuvieron mayor
contacto con extranjeros, y su cultura se diferencia
fuertemente de la de las gentes del desierto o las gentes
que habitaron los valles y ríos del sur-este. Aun con estas
diferencias en cuanto a religión, lengua y arte, habían
similitudes esenciales que unen todavía hoy a todos los
aborígenes australianos. Hay una gran afinidad a la Tierra
y sus elementos, a los espíritus de los ancestros creadores
y en todas las comunidades hay un fuerte rechazo y un
fuerte tabú a la hora de hablar de los muertos, por miedo a
un contacto con sus espíritus, En la mayoría de tribus
estos dos elementos dieron lugar al florecimiento del arte:
Ceremonias religiosas relacionadas con el "Dreaming",
conectadas con los ancestros creadores y los ritos
mortuorios diseñados para enviar el espíritu a su lugar de
descanso final.
EL
CUERPO COMO ARTE VIVIENTE
La sociedad aborigen tiene sus raíces en una historia que
data de mas de 40.000 años sobre el continente australiano;
los cambios sociales ocurridos durante este periodo fueron
menores en comparación con los ocurridos en el mundo
post-industrial, pero los códigos de decoración corporal y
pinturas que han sobrevivido hasta nuestros días están
directamente ligados a tradiciones de muchos siglos de
antigüedad. Los individuos pintan y adornan sus cuerpos de
acuerdo con un orden social inalterable, que marca su
pertenencia a un clan; su derecho a pintar ciertos diseños
que han heredado y mostrar su nivel de conocimiento de la
cultura y ceremonias tradicionales. En las comunidades
tradicionales a lo largo de toda Australia, el arte de
adorno y pintura corporal, esta inextricablemente unido a
bailes y canciones. Todos los tipos de arte tienen una
función social y religiosa, lo que no quiere decir que la
belleza de la obra terminada y el talento del artista no
sean reconocidos y apreciados; aunque la función del arte
prevalece. Los diseños corporales forman un todo con los
bailes ceremoniales.
El arte aborigen como arte corporal, incluye:
- La escarificación.
- Pintura de cara y cuerpo.
- Uso de ciertas ropas y adornos.
- Transformación del cuerpo utilizando texturas y
ornamentos para la cabeza para imitar la imagen de seres
ancestrales.
ARTESANIA
EN FIBRAS
Existe toda una gama de objetos artesanales hechos en
fibras, siguiendo diferentes técnicas de tejer y anudar en
toda Australia. La variedad de técnicas y materiales es muy
amplia, así como la variedad de formas de los objetos en
sí. las fibras naturales se usaban no solo para hacer
cestos, sino también para objetos ceremoniales y adornos
corporales; combinados con otros materiales, eran tambien
usados para fabricar ropas, refugios, redes de pesca, cañas
de pescar, utensilios para cocinar e incluso velas para
canoas. Así mismo, corteza, pelo humano y animal, ojas de
palmera y gran variedad de tallos y raíces eran
transformados en resistentes hilos y cuerdas. Hubo un
tiempo en que cada mujer a lo largo del norte de Australia,
Queensland, Nueva Gales del sur, Victoria, Tasmania, sur de
Australia y partes de Australia occidental, llevaba sus
pertenencias en una bolsa tejida en fibras, similar a una
red y usaban cestos tejidos en fibra para recolectar
moluscos, frutos, raíces e incluso miel. En los campamentos
del sur-este australiano, debió ser común ver a las mujeres
sentadas haciendo bolsas de cuerda, o hilando fibras, algo
en hoy en día vemos a menudo en la zona de Arnhem land.
Cada grupo tribal, usaba materiales encontrados localmente;
incluso hombres y niños conocían la naturaleza de estos
materiales y sabían donde encontrarlos. los productos
acabados reflejan las áreas de proveniencia. Por ejemplo,
los mas finos y complejos trabajos de hilar resistente
cuerda para grandes cestos y bolsas, provenían de Cape York
donde se hacían cuerdas muy gruesas para cazar
"dugong"(manatí) y tortugas. a lo largo de todo el norte,
el pandanus, un tipo de palmera, se usa para fabricar
bolsas entretejidas y trenzadas, alfombrillas e incluso
coladores para escurrir alimentos. Tejer cestos y hacer
bolsos fue y es hoy en día un arte esencialmente practicado
por la mujeres. los hombres fabricaban resistente cuerda
para pescar y ocasionalmente objetos asociados a sus
ceremonias, aunque incluso para estos, las mujeres hayan
producido una gran parte. los escritos sobre arte aborigen,
revelan una gran apatía y falta de percepción de este tipo
de arte de tejer con fibras, debido a los intereses de los
escritores sobre arte aborigen, predominantemente hombres;
no es sorprendente que las artes de tallar boomerangs,
lanzas, escudos, y otros objetos atrajeran toda la
atención, y el arte femenino de tejidos en fibras no fuera
considerado nada especial. Esto iba de la mano con la idea
de que los objetos de autentico valor, eran los que duraban
bastante tiempo, y también con la idea de que las
herramientas y utensilios de los hombres proveían la base
de la supervivencia familiar.... Estas teorías pueden hoy
ser rebatidas; estudios modernos indican que la mujer
proveía el 60% de la comida diaria, trayendola en sus
cestos y bolsos tejidos en fibras. En este sentido, existe
pues doble razón para prestar mayor atención a este tipo de
arte. No solo son grandes trabajos artísticos de orígenes
muy antiguos sino que también cumplían funciones
extremadamente importantes en la sociedad aborigen. En años
recientes, las artes textiles han emergido de las sombras
de la artesanía y son hoy en día expuestos en galerías de
arte. Esto ha cambiado totalmente la percepción del arte
textil de los aborígenes. Los cestos han pasado a ser
percibidos claramente como incuestionables y finas obras de
arte aborigen.
GRABADO
EN ROCA O PETROGLIFOS
Los restos de arte aborigen mas extendidos y duraderos son
los numerosos restos de superficies rocosas grabadas.Estas
son la forma mas antigua de arte en el continente
australiano. El grabado en roca se llevaba a cabo si habían
a disposición superficies adecuadas y si este formaba parte
de la vida ritual de las gentes de un área determinada. Los
grabados se encuentran en la mayoría de áreas excepto en
Victoria y el centro de Nueva Gales del sur, hay pocas
evidencias de grabado también en el sur oeste de Australia
occidental. En el extremo norte, predominan las pinturas en
magnificas galerías y aparte de algunas marcas de afilados
en la roca, se han encontrado muy pocos grabados en roca.
Se puede únicamente suponer el propósito de muchos de estos
grabados, asociando su significado y su función a la
practica de ceremonias. Diversas técnicas han sido
utilizadas para estos grabados. A veces se "rascaban" y
marcaban lineas por la superficie rocosa; otros diseños se
picaban en la roca o por frotamiento. Aparte de algunos
realizados después de la llegada de los europeos, todos los
grabados en roca fueron hechos frotando, golpeando y
cortando la superficie rocosa con otra piedra de mayor
dureza. Las marcas mas sencillas son ranuras por
frotamiento de dimensiones y profundidad variables. Estas
suelen estar repartidas sobre la superficie rocosa aunque
ocasionalmente parecen encontrarse ordenadas en motivos
paralelos; algunas son simple evidencia de afilado de
hachas de piedra en algunas rocas importantes preferidas.
Los grabados estaban relacionados con magia para la caza o
con espíritus ancestrales y debido a que estos aspectos de
la vida en toda Australia están relacionados con
formaciones geológicas, forma viviente de seres
ancestrales, todos los grabados han de verse con relación
al entorno y su significado religioso. La cualidad especial
de los lugares elegidos por los artistas puede apreciarse
al atardecer cuando el sol esta bajo y las sombras creadas
por los rayos resaltan los grabados en las superficies
rocosas, revelando marcas, símbolos y mensajes que no
podemos descodificar. Encontramos diseños de todo tipo;
grabados no figurativos, como círculos y espirales, es
decir esencialmente geométricos , o marcas simples en la
roca, algunas como las ranuras creadas por afilamiento de
hachas; todos estos sin ningún tipo de forma animal o
humana. Las formas mas comunes son huellas animales y
numerosos círculos; este tipo de arte esta muy distribuido
por el desierto central, sur de Australia, oeste de -nueva
Gales de sur y repartido por áreas separadas de Queensland.
Otro tipo de diseños son grabados figurativos mas complejos
en los que se mezclan imágenes y símbolos de todo tipo con
figuras tanto animales, humanas y vegetales.
PINTURAS
EN ROCA
Encontramos este tipo de arte a lo largo de toda Australia.
Paredes y superficies rocosas cubiertas por capas, unas
sobre otras de diseños de todo tipo; a veces una masa
caótica de color, textura y formas. Quizás unas pocas
imágenes resaltan: un barramundi, una figura
humana,....hasta que el ojo se acostumbra y empieza a
reconocer cientos de figuras animales, humanas,
huellas..... que emergen de entre las lineas desgastadas
llenando cuevas y superficies rocosas con imágenes que
relatan la presencia de personas que pintaron estas obras a
lo largo de miles de años.
Las pinturas son el lenguaje visual de siglos de
tradiciones y creencias. Para los aborígenes, los lugares
elegidos para las pinturas rupestres son siempre
importantes en sí mismos, ya fueran lugares de campamento o
mas comúnmente lugares de significancia mitológica especial
para los artistas. Las formaciones geológicas son por tanto
fundamentales a estas obras artísticas formando un todo.
Los artistas expresan todas sus creencias religiosas y
totémicas sobre estas superficies a lo largo de
generaciones. Algunas pinturas son tan antiguas que no se
relacionan con la memoria viva de ningún grupo aborigen y
por tanto dicen ser obra de espíritus; por ejemplo las
pinturas en el parque nacional de kakadu son de tal
relevancia, que este área ha sido declarada por la UNESCO
lugar de interés mundial, y por tanto de protección
especial.
Las pinturas en roca fueron hechas por diferentes razones,
dependiendo de la naturaleza del lugar. Hubo una época en
que cada elemento del paisaje de cierta importancia, tenía
un nombre específico en lengua aborigen, incluidas las
rocas en que se pintaba. Esta terminología ha sido solo
conservada en las áreas en que los habitantes tradicionales
han mantenido sus lenguas y asociaciones tradicionales. En
el oeste de Arnhem land por ejemplo, cada lugar pertenecía
a un grupo tribal en particular que tenía la
responsabilidad de protegerlo, retocar las pinturas mas
importantes y llevar a cabo ceremonias. Retocando las
pinturas, los artistas restauran la presencia poderosa del
ancestro en cuestión, refrescando por así decirlo su
espíritu; esto como modo de "mantenerlo contento" y
asegurar así suficiente comida y lluvia por ejemplo.Se ha
dicho a menudo que era el acto de pintar lo mas importante,
no nel producto final. Pero las imágenes de espíritus
pintadas son reales y poderosas y según lo dicho por
hombres mayores de las tribus que iban a visitarlas, es
importante mantener las pinturas frescas. Muchas pinturas
tenían un significado religioso; eran representaciones de
héroes ancestrales que se pusieron a sí mismos en la roca
durante la era de la creación, donde descansan inmóviles.
Los nombres tradicionales reflejan la importancia
mitológica de cada lugar y están asociados a las pinturas
en estos lugares; por ejemplo la imagen de "Namarrkon", el
espíritu relámpago, esta pintado en la cueva que lleva su
nombre en el parque nacional de Kakadu. Muchas otras
pinturas llevadas a cabo, que no referían a ancestros
creadores de mayor importancia, son encontradas en lugares
de refugio usados como lugares de campamento; en estos
predominan pinturas que representan escenas de caza y
animales. Frecuentemente se representaban animales siendo
cazados, una especie de magia para la caza, o simplemente
representando el animal que deseaban poder cazar, al tiempo
que cantaban canciones relacionadas con estos. Otras veces
simplemente podía simplemente tratarse de la representación
de animales con relación directa al artista, como los tótem
pertenecientes a su clan, que eran sagrados. Las pinturas
de extrañas formas humanas, a veces con rasgos animales, o
extremidades poco corrientes, o finos cuerpos, son
representaciones de espíritus que encontramos a lo largo de
toda Australia; un buen ejemplo de estos son los MIMI de
Arnhem land o los QUINKANS de Cape York.
PINTURAS
EN CORTEZA O "BARK PAINTING"
El arte del "bark painting" ha florecido a lo largo de las
tres últimas décadas y se ha convertido en la forma de arte
mas extendida en el norte de Australia. El origen de esta
practica no se puede determinar, pero a través de escritos
de exploradores y pobladores blancos del siglo XIX, se
describe ya esta forma de arte por lo que si que se sabe
seguro que se lleva haciendo desde hace mas de un siglo;
probablemente mucho mas.
Estas pinturas en corteza o "bark painting" son diseños
pintados en ocres naturales en la superficie interior y
suave de láminas de corteza del Stringybark (Eucalyptus
tetrodonta). La corteza se arranca durante la estación
húmeda con la ayuda de un hacha, se pone sobre el fuego
sobre el lado exterior para tratar de quitarle la curvatura
gracias al calor. Esto permite también quitar la parte
exterior de corteza que no sirve. A continuación se deja
secar al sol con piedras sobre esta para aplanarla. Una vez
plana y seca, está lista para ser pintada. Los materiales
usados para pintar son pigmentos naturales rojos, marrones,
amarillos, negros y blancos, así como pinceles y fijadores
de los pigmentos; hoy en día se utilizan fijadores de tipo
sintético. El orígen de los ocres, varía en cada área. En
Yirrkala por ejemplo (noreste de Arnhem land) los
acantilados multicolor al borde del mar ofrecen una amplia
gama de colores, aportando una gran reserva de rojos,
amarillos y blancos. En Oenpelli ("Gumbalanya", oeste de
Arnhem land) por ejemplo, marrones y blancos son frecuentes
pero amarillos suelen ser obtenidos de otras áreas, y el
negro por ser también algo mas escaso, se utiliza en menor
medida.A lo largo de Arnhem land, los pigmentos son molidos
y mezclados con agua en piedras planas y se añade un
fijador. los artistas no mezclan los colores primarios para
obtener colores secundarios, se usan solo los diferentes
tonos de los ocres encontrados en cada área. Es muy
probable que allá donde la corteza se hallaba disponible
para fabricar pequeños refugios, ornamentos y utensilios,
los aborígenes lo utilizaran como superficie para pintar.
Los sencillos refugios de corteza que todavía hoy en día se
utilizan en comunidades remotas o "outstations", solían
tener diseños pintados en su interior mas suave, y todavía
se pueden encontrar algunos hoy en día. Este tipo de
refugios de corteza, tambien podían encontrarse en el área
de Victoria, al sur de Australia. Estas cortezas pintadas,
o "bark paintings" eran comunes en lugares ceremoniales en
el oeste de arnhem land, y han sido así mismo utilizadas en
este contexto en el sur-este de Australia como indican
escritos antiguos. El "bark painting" ha desaparecido de
las areas del sur del continente, pero todavía florece por
todo Arnhem land, Bathurst island, e islas frente a la
costa del territorio del norte.
Los temas elegidos en arte aborigen, se expresan en un
sistema complejo de símbolos y patrones legados a los
primeros habitantes por los ancestros creadores. Cada clan
tiene su propio "Dreaming" u origen mitológico y sus
propios símbolos para expresarlo. A través del acto de
pintar diseños sagrados en el cuerpo de los que bailan, en
ataúdes cilíndricos, o en objetos rituales especialmente
construidos, tanto artistas como bailarines, pueden recibir
parte del poder ritual inherente en estos diseños. El
ancestro está de alguna manera presente en ellos y de
alguna manera el artista reafirma su "Dreaming" y su
conexión con la tierra. Los diseños pertenecen al clan, no
a la persona. Los objetos artísticos como los "bark
painting" pueden acabar pereciendo, pero los diseños siguen
vivos en la memoria del clan. Es de imperativa importancia
que estos diseños sean pasados de generación en generación
y usados constantemente en ceremonias, convirtiendose en
elementos de fuerza de cohesión.
El "bark painting" juega un papel importante a nivel
educativo en las comunidades, en el seno de las familias.En
muchas familias Yolŋu del Este de Arnhem land
hoy en día, las mujeres pintan también sobre corteza. A
menudo el padre o marido crea el boceto del diseño, y es
dejado a los miembros de la familia para completar el
dibujo. El dueño de esta pintura, supervisa el trabajo; las
mujeres también pintan sus propios diseños. que
generalmente representan aspectos de la vida relacionados
con su rol tradicional de recolectoras. En algunos casos ,
cuando no hay un hombre con la posición adecuada en el
clan, para llevar a cabo las pinturas de los diseños de
mayor importancia, se selecciona a una mujer, que guardará
estos diseños hasta que otros sean suficientemente mayores
para recibir el saber necesario para poder representarlos,
comprender y serles revelada toda la información necesaria.
En la sociedad aborigen tradicional, las posesiones mas
importantes para un individuo, son los objetos sagrados del
clan, los diseños y conocimiento de las canciones rituales
de acompañamiento (song cycles). Como ya hemos dicho el
"bark painting" se ha convertido en la forma de arte mas
utilizada en la zona de Arnhem land, pero con sus claras
variaciones dependiendo del área de proveniencia. Podemos
hacer 3 divisiones básicas:
-Western
Arnhem land (Oeste de Arnhem land):
Incluye las comunidades desde Oenpelli o"Gumbalanya" hasta
Maningrida. Los "bark painting" de este área, están
estrechamente relacionados con el estilo de las pinturas
encontradas en la roca de ese área. Hoy en día ya no se
pinta en roca, el "bark painting" ha tomado el relevo.
Estos incluyen formas de animales y figuras en estilo x-ray
(rayos x), espíritus MIMI e imagenes de poderosos
ancestros. El estilo x-ray es un tipo de RARRK que se
aplica solamente al interior de las figuras, así ,
representando elementos del interior del cuerpo de la
figura representada. Normalmente no se aplica "rarrk" al
exterior de la figura.
-Central
Arnhem land : Comprende un área
geográfica y un grupo de clanes relacionados. A grosso
modo, incluye clanes y grupos lingüísticos cuyas tierras
van del este del río Liverpool hasta Ramingining y sus
"outstations" y Milingimbi. La mayoría de artistas del
centro de Arnhem land se concentran en Maningrida,
Ramingining y Milingimbi. Estos artistas están relacionados
con clanes de la punta noreste de Arnhem land, pero las
pinturas son bastante diferentes.
-Eastern
Arnhem land ( Este de Arnhem land):
Tierra de los Yolŋu. Este área incluye toda
la punta noreste alrededor de Yirrkala, Lake
Evella(Gapuwiyak) hacia el interior al oeste, Elcho island,
Groote Eylandt y Walker river (Río Walker) hacia el sur. El
arte en "bark painting" en el este de Arnhem land esta en
pleno auge; es interesante resaltar que en este área no hay
tradición de pinturas rupestres en cuevas. Las pinturas son
complejas; complicados patrones de rejillas y lineas,
rombos y otras figuras geométricas, usadas como un tipo de
lenguaje codificado. Se usa todo el espacio disponible
llenandolo por completo con patrones de "rarrk" de todo
tipo.
"stringybark" al que
se ha quitado la corteza para hacer
barkpainting
"PAPUNYA
PAINTING", EL ARTE DEL DESIERTO
Tradicionalmente, cada
mujer y hombre adulto en el desierto es un artista. Los
hombres utilizan antiguos símbolos abstractos para crear en
el suelo diseños hechos con plumas, plantas pulverizadas,
ocre, sangre; y estos mismos materiales eran utilizados
para crear los diseños sobre sus cuerpos para las
ceremonias. Círculos, lineas y puntos son utilizados para
representar este mismo tipo de lenguaje simbólico también
sobre esculturas ceremoniales u objetos como por ejemplo
sus armas.
Las mujeres utilizan diseños abstractos en su arte
expresivo paralelo y pintan así mismo sus cuerpos para las
ceremonias de mujeres.
Los símbolos son una forma de arte visual en el que la
ancestral renovación de la vida es celebrada y su
continuidad asegurada. El arte expresa y establece la
relación de la gente con los ancestros y con la tierra a
través de historias sobre viajes ancestrales sobre el
territorio, incluyendo los aspectos más importantes que han
de ser recordados por las generaciones futuras.
Los diseños creados en el suelo, compuestos de miles de
pequeños trozos de plantas, plumas, tierra y otros
materiales. tienen sin duda alguna un origen muy antiguo;
muchos diseños, de los que se tiene constancia desde
estudios bastante antiguos, contienen círculos, círculos
concéntricos, espirales,.... y que seguimos viendo hoy en
día; Estos y huellas de pájaros pueden ser encontrados en
formaciones similares en superficies rocosas grabadas y
pinturas de varios miles de años de antigüedad. Los diseños
en el suelo, deben su poder y efectividad, no solo al
diseño en sí, sino también al material utilizado y las
circunstancias en que se ejecuta.
De esta combinación de puntos, lineas y color sobre el
suelo, nace una nueva escuela de pintura, ejecutada sobre
lienzo. Un desarrollo espectacular de la industria del arte
del desierto, basado en estos antiguos diseños sobre
tierra, toma forma en la comunidad de PAPUNYA.
El movimiento empieza a principios de los años 70,
estimulado por Geoff Bardon, un profesor. Bardon trataba de
pintar un mural en la escuela de la comunidad, tratando de
representar diseños inspirados en diseños aborígenes como
círculos y zigzags....intrigados por esto y alentados por
Bardon,algunos hombres de la comunidad tomaron el relevo y
terminaron el mural con diseños tradicionales. Otros
murales fueron pintados, y el interés y fervor de los
hombres por representar sus "Dreamings" creció hasta que
unos veinte artistas empezaron a utilizar desechos de
construcción, chapas y tablas, ocres o pinturas facilitadas
por Bardon produciendo así muchas pinturas con diseños
tradicionales. Bardon mostró estas obras al público
australiano a través de exposiciones. Aunque inmediatamente
apreciado por responsables de galerías europeas, esto causó
gran preocupación entre los aborígenes y artistas
implicados. El uso de ciertos símbolos y representación de
objetos sagrados fueron por tanto omitidos en las pinturas
después de largas discusiones. Por el entusiasmo de este
nuevo medio expresivo, y el orgullo del reconocimiento y la
apreciación de lo que era mas preciado para ellos, sus
historias del "Dreaming", los artistas habían dejado
escapar y dejado ver demasiado por lo que se retractaron
buscando un cierto compromiso.
Hoy en día, este tipo de arte típico de las áreas
desérticas del centro de Australia, es conocido y apreciado
internacionalmente, siendo en muchos casos incluso la única
referencia artística que mucha gente tiene con respecto a
los aborígenes de Australia, que por supuesto no se
corresponde con la realidad ya que este tipo de arte
"puntillista" por llamarlo de algún modo es exclusivo y
propio de la zona "central" de Australia.
A pesar de las variaciones de estilos, el tema central de
las pinturas, como en los diseños en tierra y ceremonias,
son escenas y temas relacionados con el "Dreaming". Cada
pintura trata de un lugar, frecuentemente el lugar de
proveniencia del artista y de sus ancestros; pero no solo
se suele representar el lugar sino también el
acontecimiento que allí tuvo lugar en el tiempo de los
sueños. Estos lugares pueden ser rocas especificas, charcas
(waterholes), árboles, montañas o muchos otros..... También
los ancestros creadores como pueden ser "Honey ants",
canguros, "bush onions", lagartos, o muchos otros.....
Por ejemplo una pintura podría representar el viaje del
ancestro "Witchetty grub" (un tipo de gusano blanco que se
encuentra normalmente en las raíces del "mulga") bajo el
suelo. La pintura podria se interpretada, mostrando el
"Witchetty grub" emergiendo del suelo o a través del árbol,
y su metamorfosis en polilla. Aun nivel mas profundo podría
representar el viaje y recorrido de un niño hasta la
madurez a través de la ceremonia de iniciación.
No es posible para personas ajenas a la cultura o para
europeos, comprender totalmente los diferentes niveles de
significado del arte de Australia central.
Cada hombre solo pinta lugares conectados con él
directamente, contando la historia de forma simbólica como
un recordatorio para sí mismo de las leyendas relacionadas
con estos lugares. Al igual que el arte de Arnhem land, las
pinturas son mapas de la tierra, dejando constancia del
territorio y tierra perteneciente al artista y a su gente y
sus conexiones con el "Dreaming".
Hoy en día, en muchos casos se están convirtiendo en
expresiones artísticas individuales. Muchos artistas están
desarrollando facetas mas extravagantes en el arte,
saliendo de los límites de lo tradicional, adaptando el
arte a sus propios gustos e incorporando elementos
contemporáneos o colores llamativos no tradicionales.
Otro elemento importante es la naturaleza personal de los
símbolos; aunque los símbolos son limitados y propios a
cada hombre, cada artista los usa subjetivamente, con lo
que solo él puede dar una plena interpretación de los
diferentes niveles de significado en su pintura.
Las pinturas en lienzo conocidas como "Papunya-Tula"
(nombre de la cooperativa nacida en los años 70 en papunya
para la intermediación de artistas con el publico y las
galerías de arte) eran solamente realizadas por hombres
hasta hace relativamente poco. Las mujeres fueron poco a
poco tomando parte del movimiento artístico y pintando sus
propias historias de mujeres, sobre lugares especiales
relacionados con ellas y sus "Dreamings".
(PRONTO MAS
INFORMACIÓN...... PAGINA EN CONSTRUCCIÓN)